Después de tiempo posteo algo, pero no se preocupen que pienso hacerlo más seguido desde el próximo año, lo prometo.
Esta vez les presento un tema de 1969 tocado por una de las bandas del rock proto sinfónico/melódico/progresivo; mejor dicho, una de las bandas históricas de la historia de la música.
The Moody Blues puede parecer anticuada para algunas personas, pero tiene un toque exquisito y muy diferente a las bandas contemporáneas alrededor de finales de los sesentas, me refiero a ese toque armónico y de balada que puede llegar a ser indescriptíble con palabras, en fin, creo que al escuchar el siguiente tema me darán la razón y querrán escuchar más de esta genial banda.
Primer disco de la extensísima discografía de Frank Zappa junto a The Mothers Of Invention, lanzado originalmente como doble LP, esta ópera prima es considerada como uno de los discos más vanguardistas de todos los tiempos debido a su compleja musicalización y originalidad, pero también por ser uno de los primeros discos conceptuales producidos hasta la época.
The Mothers, originalmente llamada The Soul Giants, era una banda de chicos blancos que tocaban covers de música blues. Frank Zappa entró a mediados de 1965 en reemplazo del guitarrista principal y su presencia cambió radicalmente a la banda, desde el nombre hasta la propuesta musical (que llegó a ser la más ambiciosa de la época).
El género y estilo musical de The Mothers of Invention fue él más diferenciado y sobresaliente de finales de los sesentas, cuando la psicodelia empezaba a golpear fuertemente, la genialidad de Zappa brotó, no yendo en contra de la psicodelia sino, llevándola a su lado más oscuro y extremo. Sus métodos: una bizarra mezcla de sonidos instrumentales y vocales que jamás antes se habían hecho. Más que definirla simplemente como rock experimental, califico a este género como un tipo psicodelia vanguardista.
El concepto del álbum nos narra la perspectiva de la banda hacia la cultura pop norteamericana de modo satírico e irónico, mostrando así sus vicios, faltas y atrocidades, pero sin olvidar su lado positivo. Ejemplo de esto está el tema "Trouble Every Day", uno de los temas más rockeros del disco, que nos narra los problemas raciales y de violencia, y cómo los medios explotan esta información de manera negativa.
La compleja "You Didn't Try To Call Me", que a pesar de ser un tema pop, hace sobresalir el talento de Zappa en cuanto a composición musical se refiere. Dividida en pequeñas secciones que no se repiten creadas por arreglos al detalle y una extensa instrumentación, que incluye trompas, tubas y flautas.
"Anyway The Wind Blows" escrita por Zappa en 1963, fue originalmente un canción romántica influenciada por músicos de los años 50. El demo de esta canción fue rechazado por varias disqueras y tres años después pudo ver la luz en este disco, solo que con varios arreglos y efectos incorporados.
"Hungry Freaks, Daddy" con su entrada de bajo y sus buenos solos de guitarra nos cuanta la historia de Mister America, quien intenta protegerse de la enferma generación joven que infesta a su país con sus nuevas ideologías. Claramente un llamado de atención a las personas que ven a las nuevas generaciones con disgusto, pero sin perder la sátira característica de Zappa.
Y por último pero no menos importante, tengo que resaltar el tema de doce minutos "The Return Of The Son Of Monster Magnet", tal vez la más ambiciosa del disco, un collage de sonidos subtitulado "Unfinished Ballet in Two Tableaux: I. Ritual Dance of the Child-Killer; II. Nullis Pretii (No Commercial Potential)". La canción abre con un diálogo entre Suzy Creamcheese (personaje imaginario) y la voz de su conciencia preguntándole qué es lo que le ha pasado ("What's got into you?"). El tema fue grabado como una improvisación en un estudio donde Zappa juntó, además de los instrumentos básicos, un piano, vientos y, sobre todo, sonidos vocales con efectos de velocidad o sonidos sobrepuestos para finalizar con voces en velocidad aumentada repitiendo la palabra "creamcheese". El tema nunca se pudo terminar y fue lanzado incompleto. El objetivo del extenso tema fue dar la impresión de que habían locos sueltos en el estudio de grabación, aunque la misión no fue del todo cumplida, el tema fue alabado por músicos de vanguardia. Ante la desilución de Zappa de no poder culminarla, hizo al año siguiente un trabajo parecido pero más complejo en el álbum "Lumpy Gravy".
Cabe resaltar finalmente que éste disco es uno de los más vanguardistas de la historia, y lo seguirá siendo no importa lo que pase. Uno de los primeros discos dobles, uno de los primeros discos conceptuales, uno de los primeros discos de rock experimental. Pero también es destacable la influencia que tuvo... con tan solo decir que sirvió de empuje para la creación de la obra maestra de los Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Heart's Club Band" ya es suficiente.
Frank Zappa siguió con The Mothers of Invention hasta mediados de los 70's pero siguió con una prolífica carrera solista, donde produjo innumerables discos de rico material musicla, donde se mezclan los gñeneros y se experimenta con los diversos estilos musicales. Vale la pena darle algunos minutos para escuchar a este, el padre del rock experimental.
Lista de canciones:
LP 1, lado 1:
1. Hungry Freaks, Daddy – 3:32
2. I Ain't Got No Heart – 2:34
3. Who Are the Brain Police? – 3:25
4. Go Cry on Somebody Else's Shoulder – 3:43
5. Motherly Love – 2:50
6. How Could I Be Such a Fool? – 2:16
LP 1, lado 2:
7. Wowie Zowie – 2:55
8. You Didn't Try to Call Me – 3:21
9. Any Way the Wind Blows – 2:55
10. I'm Not Satisfied – 2:41
11. You're Probably Wondering Why I'm Here – 3:41
LP 2, lado 1:
12. Trouble Every Day – 5:53
13. Help I'm a Rock – 8:37
a. Okay To Tap Dance
b. In Memoriam, Edgar Varèse
14. It Can't Happen Here
LP 2, lado 2:
15. The Return of the Son of Monster Magnet – 12:22
a. Ritual Dance of the Child-Killer
b. Nullis Pretii (No Commercial Potential)
Confieso que hace poco escuche el "Good News for People who Love Bad News" de Modest Mouse y no pude dejar de pensar en la increíble influencia que muchos de los temas de ese disco tienen en la música de Tom Waits y el jazz vanguardista en el que este cantante innova disco tras disco. El primer tema "Horn Intro" (de tan solo 9 segundos de duración) nos da una bienvenida a un mundo bizarro, sin embargo, hay también temas que no abandonan el estilo con el que Modest Mouse se hizo popular, que además le da al disco un toque de variedad. Pero al escuchar el tema "This Devil's Workday" creí que un tema de Waits se había infiltrado en mi iPod, pero al leer el nombre de la banda en la pequeña pantalla de mi reproductor me llevé una grata sorpresa, he aquí el tema:
De pasada en youtube encontré este genial video hace ya algunos mese, lo comparto con ustedes. 40 artistas haciendo sus respectivos covers de una de las obras más impecables de Porcupine Tree:
La noticia que de la noche a la mañana salió a la luz hizo que inmediatamente emocione hasta las entrañas a los miles de miles de seguidores de genio García en toda Sudamérica. En lo que nos concierne (y hablo del publico peruano), Charly se presentará en el Jockey Club el 30 de Junio por motivo del lanzamiento de su disco "60x60" y, por consiguiente, a sus 60 años de vida que pretende celebrar a lo grande con un slogan que dice mucho: 60 años, 60 canciones en vivo. Lo que no es seguro es si tiene 60 canciones para tocar a lo largo de la gira o 60 las que tocará precisamente en Lima. Sin embargo, vale la pena soñar... cruzemos los dedos de las manos y los pies.
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¡Oye Tú! Ahí afuera en el frío, quedándote solo, haciéndote viejo ¿puedes sentirme?
Cuando era niño jamás pensé que un músico pudiera salirse de sus casillas y no solo escribir canciones sino también crear historias narradas a través de ellas que se cuentan por episodios, tema tras tema. Roger Waters logró dar vida a este concepto que encierra The Wall, una historia de soledad, aislamiento, indiferencia y traumas de niñez que poco a poco se convierte en locura... y no creo que hay mejor tema que explique este proceso que "Hey You".
La historia de Pink -personaje principal- da un salto inesperado que se logra explicar en este tema. "Hey You" es el primer tema del segundo disco del álbum y, por lo tanto, es el primer tema que se canta una vez que Pink ha logrado contruír el muro en su totalidad.
Dentro del muro Pink se ha aislado completamente del mundo real y la sociedad y se da cuenta del grave error que ha cometido, este intenta retomar el contacto con el mundo externo pero no puede ver, oír o sentir qué es lo que sucede fuera del muro. Los inútiles esfuerzos del personaje hacen que poco a poco este vaya perdiendo las esperanzas de salir.
La desesperación de Pink consume sus pensamientos al punto de mostrar sus primeros indicios de locura. Una frase muy peculiar del tema es "...And the worms ate into his brain". Esta es la primera vez que se mencionan a the worms, estos luego tendrán un papel importante en el desarrollo de la historia y serán los grandes responsables de las futuras alucinaciones y delirios de Pink.
Dejando el concepto de lado, "Hey You" es un tema que retrata de forma cruda la soledad... aunque esta pueda ser interpretada de diversas maneras como en los filmes "Due Date" o "The Squid and the Whale" en sus respectivos tributos a este gran tema:
Para ser francos, el 2010 fue un buen año para despedir una década repleta de conjunciones musicales como no se ha visto en ninguna otra década en la historia de la música popular. Unos diez años que, por cierto, no estuvieron muy definidos a qué rumbo se dirigían y no hubo un género musical que se llevó por encuentro a los demás. Revivals por doquier y experimentaciones muy creativas completaron lo que fue la década pasada. De todas maneras, en la lista a continuación podemos ver un cierto tipo de unificación de estilos (salvo algunas excepciones): de Sun Kil Moon a Joanna Newson a Beach House a Sufjan Stevens a The National a Arcade Fire a Deerhunter... en fin, una vez más les presento, a mi humilde parecer, los mejores discos del 2010.
10. "Halcyon Digest" de Deerhunter: El cuarto álbum de estudio de esta banda estadounidense que sorprendió con su anterior producción, "Microcastle", disco revelación del 2008. De todas maneras, el disco no llega a ser tan sorprendente como su antecesor, pero sigue reviviendo estilos como el shoegaze y el noise rock. Bradford Cox (guitarra y voces) dijo que el concepto del disco está basado en experiencias vividas e inventadas. "Supone ser una colección de viejos despachos (...), tiene mucho que ver con la manera en que las personas romantizan el pasado, por más horrorífico que este haya sido", mencionó.
9. "Teen Dream" de Beach House: El dúo dream pop conformado por la francesa Victoria Legrand y el estadounidense Alex Scally dieron el gran salto con esta, su tercera producción discográfica, muy bien recibida por la crítica y la audiencia. La diferencia de esté disco con los anteriores de la banda es que tiene menos efectos tanto de voz como instrumental, sin embargo, fue la producción en donde más dinero se invirtió. De todas maneras la inversión se convirtió en ganancia, ya que hasta el momento ha sido el disco más vendido del dúo y en donde se aprecia un gran profesionalismo en la inigualable voz de Legrand y el ingenio musical de Scally.
8. "Admiral Fell Promises" de Sun Kil Moon: Sun Kil Moon es un proyecto musical de cantautor Mark Kozelek, conocido anteriormente por su banda Red House Painters. En este proyecto, Mark explora y acapara la escritura, composición y voces de todos los temas. Sin embargo, este no es un proyecto solitario, Kozelek es acompañado por bajo, guitarra y batería, aunque existe un gran número de canciones donde el cantautor simplemente toca su guitarra y canta. "Admiral Fell Promises" es un ejemplo de ello, Kolazek está solo con su guitarra acústica a lo largo de los 10 temas del disco, unos temas hermosos en lírica y sentimiento.
7. "Brothers" de The Black Keys: Sexto disco de estudio del dúo blues rockero original de Ohio. La producción del disco se realizó en medio de conflictos debido al trabajo solista de Dan Auerbach (vocalista y guitarrista) y los problemas matrimoniales de Patrick Carney (baterista y productor de la banda) que terminaron en divorcio. De todas maneras, el dúo se reunió para hacer un trabajo que reflejaba la larga amistad entre ambos, bautizando de esta manera al disco con el nombre de "Brothers", un título que resumía el reinicio de una fuerte relación. Este álbum gozó a su vez de una inmensa creatividad por el hecho de haber sido grabados los 16 temas del disco en tan solo 10 días con un sonido totalmente fresco, haciendo que esta sea una de las mejores producciones de la banda hasta el momento.
6. "The Social Network - BSO" de Trent Reznor y Atticus Ross: Uno de los mejores BSO de los últimos años. La popular película dirigida por David Fincher tuvo un toque macabro/oscuro con la música creada por el genio Trent Reznor (Nine Inch Nails) y Atticus Ross (reconocido programador, productor y remixeador británico). La inigualable atmósfera creada para el filme contiene sonidos industriales y ambientales con el toque personal de Reznor, una música que si bien no es común en filmes comerciales, encapsula perfectamente las atmósferas de las escenas y la visión de los personajes. La producción ganó múltiples premios (incluyendo un Óscar al mejor banda sonora). Ahora solo queda esperar el próximo trabajo de este estupendo dúo en el BSO del filme "The Girl with the Dragon Tattoo".
5. "Il Tempio Delle Clessidre" de Il Tempio Delle Clessidre: Hermoso disco que homenajea al prog italiano de los 70 y cuenta entre sus filas a una leyenda de este estilo musical que casi se pierde en el tiempo. Stefano "Lupo" Galifi, vocalista de la banda Museo Rosenbach en su histórico disco "Zarathustra" (1973), fue invitado por la banda para hacer la voz en algunos conciertos. Pronto, fueron escribiendo temas inspirados en el rock clásico de la península itálica, tomando muy en cuenta la música de Museo Rosenbach y bautizando a la banda con el nombre de una de las canciones de la banda setentera. El resultado final fue un tributo al prog italiano pero con toques oscuros y alguna que otra influencia del rock escandinavo. Eso sí, la voz de Galifi sigue intacta.
4. "Have One On Me" de Joanna Newsom: Tercer disco de estudio de la arpista, cantautora y hermosa Joanna Newsom. En esta ocasión ofreciendo un disco triple, una arriesgada propuesta pero finalmente bien recibida por sus seguidores. Newsom continúa con su hermosa lírica y arreglos orquestales, pero, a diferencia de su producción antecesora (el genial disco "Ys" del 2006), "Have One On Me" contiene temas con marcada inspiración del blues y el jazz, otros donde se pueden apreciar la presencia de guitarras eléctricas y hasta algunos donde el piano reemplaza al arpa como instrumento principal. Recomiendo escuchar el disco de corrido, 18 temas (algunos de larga duración) que abarcan poco más de dos horas de bella música folk.
3. "The Age of Adz" de Sufjan Stevens: Sexto disco de estudio del cantautor nacido en Detroit, Michigan. En esta producción Sufjan retoma los trabajos de largo aliento luego de varios EPs y discos exploratorios lanzados entre 2006 y 2010. Lo cierto es que desde la obra maestra titulada"Illinois" del 2005, no se veía un trabajo conceptual por parte de Sufjan, pero, a diferencia de este, los elementos electrónicos toman un protagonismo importante conjunto con los arreglos orquestales. En una entrevista en el 2006, Stevens mencionó que ya se había cansado de las trompetas y banjos utilizados en gran parte de sus temas y en los años siguientes se dedicaría a experimentar con sonidos diferentes. El resultado final fue "Age of Adz! -leído Odds. El disco goza de infinidad de sonidos electrónicos y los explota al máximo en temas como 'Too Much', 'I Walked' o el monstruo de más de 25 minutos 'Impossible Soul', un ejemplo para que todos los fanárticos de Black Eyed Peas sepa lo que es mezclar de verdad.
2. "High Violet" de The National: Quinto disco de estudio de esta muy buena banda de Cincinnati, Ohio. Algunos podrían considerar al "High Violet" cómo el hijo perfecto entre el "Alligator" (2006) y "The Boxer" (2007) -ambos discos mencionados en pasadas listas. Sin embargo, este es un disco más oscuro donde se habla mucho del sufrimiento, la tristeza, el temor y el amor. A una primera escuchada es imposible asimilar el gran trabajo y esfuerzo que la banda puso en la producción del disco, pero es una joyita de esas que no debe pasar desapercibida a pesar de ser un disco más tranquilo que sus antecesores pero con una energía envidiable por cualquier otra banda.
1. "The Suburbs" de Arcade Fire: Capaz el lanzamiento más esperado del 2010 y no defraudó. El tercer disco de esta estupenda banda canadiense toma a los suburbios como tema principal ejemplificado en la cotidianeidad, las tristezas y alegrías de la vida suburbana enfocado, sobre todo, en la juventud. Win Butler describe el sonido de este disco como una mezcla de Depeche Mode y Neil Young, un estilo que no decae en los 16 temas del disco (su producción de más larga duración hasta el momento). Y es algo totalmente cierto, a pesar de las baladas, shoegaze, temas folk y toques de garage rock que contiene el disco, este no presenta bajones o momentos aburridos, un trabajo ciertamente difícil para cualquier agrupación. Sin duda esta fue una tremenda negación al imposible para los que pensaron que luego del "Funeral" (2004) y el "Neon Bible" (2007) podía haber un trabajo tan bueno como este.
