domingo, 27 de diciembre de 2009

"The Black Saint & The Sinner Lady" de Charles Mingus (1963)


Si no conoces mucho de jazz entonces este es el mejor momento para comenzar a escucharlo, y si todavía no te convence estonces no sabes lo que te estás perdiendo. Pero lo comprendo, tal vez todavía no has terminado de escuchar la discografía de una de tus bandas de rock favoritas, pero si alguna vez se te ocurre escuchar jazz del bueno, qué mejor que 'El Santo Negro y la Dama Pecadora'.
Charles Mingus tal vez nos pueda sonar familiar pero él no entra en la categoría de los clásicos músicos de jazz que tocaban dixie (subgénero jazzistico muy comercial), sino en los jazzistas de vanguardia de comienzos de los 60's. El subgénero conocido como free-jazz se cría y madura en dicha década con jazzistas de la talla de Sun Ra, Ornette Coleman y el mágnífico John Coltrane.
¿Pero porqué este disco es tan especial? La respuesta es sencilla, el disco tiene todo lo que debería tener y desear cualquier otro disco de jazz, es sin lugar a dudas uno de los más completos jamás grabados, once talentosos músicos tocando bajo, trompetas, saxos, tubas, flautas, trombones, piano y hasta guitarra acústica tocando en plena 'libertad' y suena tan bien como se lee.
Mingus fue un reconocido bajista en su tiempo y ahora es considerado como el mejor bajista que haya tenido el mundo del jazz, además de ello componía sus propios temas y los de este disco no fueron la excepción, sin embargo, había algo diferente en este trabajo, Mingus quería explotar su talento musical al máximo, para ello escribió seis piezas instrumentales donde se necesitaría un gran apoyo de su banda entre los cuales estaban los célebres Jerome Richardson y Charlie Mariano tocando los saxos. El resultado final de esta obra orquestral es uno de los puntos más álgidos no sólo en la carrera de Mingus sino en la historia de la música jazz.
Tan vibrante y vertiginosa, es difícil poder describir cada tema en palabras, lo que si se puede decir es la marcada influencia que esta tiene, por momentos Mingus evoca a su maestro Duke Ellington y le rinde tributo en ciertos momentos, también podemos notar la presencia de una guitarra acústica, tocada 'a la española', la magnifica presencia de los instrumentos de viento-metal se acompañan en perfecta armonía a pesar de tener muchos solos. Lo cierto es que es esta obra maestra Mingus crea un innovador estilo orquestral, al cual él mismo bautizó como una ´'música folk-dance étnica'.
Personalmente he empezado a escuchar jazz 'en serio' hace poco más de un año, sobre todo el free-jazz y artistas como Coltrane, Davis y el que lleva título de este post y quiero decir que con mi modesto conocimiento de este género este disco se la lleva en grande (claro que no por tanta diferencia pero... ejem) recomiendo a más no poder esta joya musical, un disco que debería escuchar un verdadero melómano.

Lista de Temas:
1. Track A - Solo Dancer (Stop! Look! and Listen, Sinner Jim Whitney!) – 6:39
2. Track B - Duet Solo Dancers (Hearts' Beat and Shades in Physical Embraces) – 6:47
3. Track C - Group Dancers (Soul Fusion Freewoman and Oh, This Freedom's Slave Cries) – 7:25
4. Mode D - Trio and Group Dancers (Stop! Look! and Sing Songs of Revolutions!) / Mode E - Single Solos and Group Dance (Saint and Sinner Join in Merriment on Battle Front) / Mode F - Group and Solo Dance (Of Love, Pain, and Passioned Revolt, then Farewell, My Beloved, 'til It's Freedom Day) – 18:41


* Aquí el tema "C - Group Dancers"


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lunes, 30 de noviembre de 2009

The Wall: 30 años de construída

30 años no se cumplen en vano, para el ser humano es la edad en la que uno ya empieza a pensar en que ya se está volviendo viejo, pero para un disco de música es simplemente una confirmación de su trascendencia. Pero me explico mejor, cualquier disco puede cumplir 30 años y ser pasado por alto, pero estamos hablando de EL DISCO. El 30 de noviembre de 1979, cuando el progresivo ya parecía extinguirse salió su último gran respiro para decirle hasta siempre a la década que lo vio brillar en su máximo esplendor... despúes de este disco, Pink Floyd y todas las bandas de su generación no volvieron a ser más las mismas y quedaron atrapadas en las crueles redes de la música sintetizada de los 80's, triste pero cierto, nuevas bandas salieron, un nuevo mainstream surgió y colorín colorado... Sin embargo los fanáticos y los no tan fanáticos recuerdan ese temita tan sonado -we don´t need no education- y todos los demás 25 temas de este maravilloso disco doble -we don't need no thought control- ahora daré mi pequeño tributo celebrando sus treinta, sin oscuros sarcasmos en la clase...



Comenzando en decir que es una obra maestra absoluta de la música moderna, esta ópera rock de dos discos escrita casi en su integridad por Roger Waters, es uno de los discos conceptuales más perfectos y completos jamás escritos, y llega casi al límite de trascender sobre la misma música del compacto.
El álbum nos cuenta la historia de "Pink", un estrella de rock que debido a sus traumas de niñez por la temprana muerte de su padre, la sobreprotección materna y la castrante educación escolar, construye simbólicamente un muro a su alrededor alejándose así de todo contacto humano y volviéndose un personaje autodestructivo que fantasea con un mundo de violencia y anarquía.
El disco (y la historia) comienza con "In The Flesh?" un tema donde predomina una guitarra con punteos fuertes y marcados, la letra nos da la bienvenida al "show" y termina con los llantos de un bebé recién nacido: Pink.
Los dos siguientes temas "The Thin Ice" y "Another Brick In The Wall (Part 1)" nos narran cómo Pink afrontó la muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial. En el primer tema en mención Pink todavía era un niño y no tenía juicio para reconocer la muerte de su padre, pero en el segundo tema ya es capaz de comprenderlo y cae en depresión poniendo así los primeros ladrillos en el muro.
"Another Brick In The Wall (Part II)", el himno de protesta de la música rock (ya todos conocen su letra y su gran solo de guitarra), aquí Pink pone más ladrillos en el muro debido a la represión que sufría en la escuela y crea también sus primeros pensamientos destructivos al fantasear con echar abajo la escuela.
La hermosa "Mother" que con cierto sarcasmo Waters canta con voz melodiosa las castrantes y sobreprotectoras manías de la madre de Pink: "...Hush now baby, don't you cry / Mama's gonna make all of your nightmares come true / Mama's gonna put all of her fears into you / Mama's gonna keep you right here under her wing / she won't let you fly but she might let you sing...". La segunda parte del primer disco nos cuenta cómo Pink se casa y se vuelve una estrella de rock, pronto cae de nuevo en la depresión cuando su esposa lo engaña terminando así de construir el muro.
"Hey You" con su hermoso arpegio inicial y los buenos solos de Gilmour cuentan cómo Pink se arrepiente de construir el muro y observa que le es imposible escapar de su encierro. Al mantenerse encerrado del mundo y la sociedad, Pink comienza a perder la razón, y por primera vez se mencionan a "The Worms -los gusanos-" personajes que participarían luego como causantes de sus síntomas de locura, de allí en una linea del tema se menciona: "And the worms ate into his brain".
"Comfortably Numb" una de las mejores canciones del disco, el diálogo de Pink y su doctor excelentemente interpretado vocalmente por Roger Waters y David Gilmour respectivamente, junto con uno de los mejores solos de guitarra jamás tocados. Aquí Pink hace un repaso de toda su vida para intentar salvarse, pero finalmente colapsa y es llevado de emmergencia al hospital.
La trilogía "In The Flesh", "Run Like Hell" y "Waiting For The Worms" representan la locura de Pink y su mundo de fantasía con "The Worms", un grupo radical facista del cual Pink es el lider, su propósito es renacer a Britania con toda su pureza, aniquilando así a todos los homosexuales judios, negros, etc. Por supuesto esta es una concepción totalmente diferente a la de Pink, su demencia llega al límite y por ello en el tema "Stop" quiere saber si es el culpable de su encierro.
"The Trial" una de los temas más ambiciosas del disco, la música deja de ser progresiva para ser puramente sinfónica, la banda toma prestado los servicios de la sinfónica de Nueva York para tocar este tema en el cual Pink enfrenta a todos sus traumas en un autojuicio. Su madre, su profesor y su ex esposa se presentan atemorizándolo y finalmente, el juez lo acusa de hacer crímenes contra sí mismo, por ello decreta el derrumbe del muro, por lo cual Pink queda libre de todo aislamiento. *
Como muchos lanzamientos dobles, hay partes del álbum que pueden llegar ser tediosas, pero sin duda hay partes destacables. Aunque musicalmente no sea superior a anteriores trabajos como "Dark Side Of The Moon" o "Wish You Were Here"; "The Wall" se destaca más por la historia que cuenta, no es un disco conceptual de temas diversos (como por ejemplo de sentimientos o temas sociales) , sino es una historia con principio y final, con un personaje principal que vive diversas situaciones. Nunca antes se había creado una historia tan completa para ser narrada en un disco, tal vez el "Tommy" de The Who y el "The Lamb Lies Down On Broadway" de Genesis pueden ser los más semejantes, sin embargo ambos discos no narran una historia tan concreta y abierta como la apreciada en "The Wall".
La música de este disco puede llegar a ser muy densa y se puede notar que en muchas partes se da más cabida al concepto del disco más que a la música en sí, esto es algo que llega ser una característica en la carrera de Waters solista así como en sus últimos discos con Pink Floyd, y fue precisamente a finales de los 70's en que comenzaban a haber grandes disputas entre los miembros de la banda, ya que Waters tomaba el protagonismo completo del disco escribiendo casi todas las canciones (como así también fue en el "Animals", 1977).
Luego de "The Wall", Richard Wright se marcharía de la banda y solo regresaría hasta la salida de Waters en 1985. Por su parte Waters haría un último disco formando parte de Pink Floyd ("The Final Cut", 1981) para luego seguir con su carrera solista.

* Gracias a Daniel Paz-Soldán por dejarme citar algunas notas de su tesis "Psicoanálisis de The Wall".

Lista de canciones:
CD 1:
1. In the Flesh? - 3:18
2. The Thin Ice - 2:28
3. Another Brick in the Wall (Part I) - 3:41)
4. The Happiest Days of our Lives - 1:21
5. Another Brick in the Wall (Part II) - 3:56
6. Mother - 5:32
7. Goodbye Blue Sky - 2:48
8. Empty Spaces - 2:06
9. Young Lust - 3:29
10. One of My Turns - 3:37
11. Don't Leave Me Now - 4:22
12. Another Brick in the Wall (Part III) - 1:17
13. Goodbye Cruel World - 1:05

CD2:
14. Hey You - 4:41
15. Is There Anybody Out There? - 2:40
16. Nobody Home - 3:25
17. Vera - 1:39
18. Bring the Boys Back Home - 0:51
19. Comfortably Numb - 6:49
20. The Show Must Go On - 1:37
21. In the Flesh - 4:17
22. Run Like Hell - 4:23
23. Waiting for the Worms - 3:56
24. Stop - 0:33
25. The Trial - 5:18
26. Outside the Wall - 1:42


miércoles, 25 de noviembre de 2009

Zeuhl: El Lado más Extraño del Rock

Tal vez nadie haya escuchado esa palabra, pero valga decir que esta no es tan solo una palabra común y silvestre, Zeuhl es para algunos la palabra más consagrada del la lengua Kobaiana... Y ahora ustedes dirán ¡¿Pero qué demonios es la lengua Kobaiana y que carajos es Zeuhl?!, bueno, sin más preámbulos prepárense para conocer, sin lugar a dudas, el lado más extraño de la música rock...
Zeuhl es un subgénero del rock progresivo que, adémas de tener la clásica combinación de' rock-jazz-música docta', adopta diversos elementos de otros subgéneros musicales como por ejemplo el 'fusion' (de bandas como Mahavishnu Orchestra pero sin el virtuosismo guitarresco) y el noeclasisismo (de músicos de inicios del siglo XX como Stravinsky o Debussy, pero desde luego y valga la redundancia, sin el virtuosismo de aquellos maestros).
Los dos elementos ya mencionados marcan una diferencia con el rock progresivo "clásico", ya que el género fusion es, como lo dice su nombre, una fusión de jazz con otros géneros musicales (ya sea rock, folk, electrónica, etc.), es totalmente instrumental y opta por la improvisación y músicos de alto nivel de virtuosismo, como lo fueron los grandes músicos del 'Free Jazz'.
Sin embrago esas no son sus características más resaltantes, ya que han existido y hasta hoy existen (aunque en menor medida) bandas con esas características. El Zeuhl se llega a distinguir por medio de la voz, es decir, que este subgénro tendría otras dos características que lo aislarían por completo de todo tipo de música habida y por haber hasta llegar a ser considerado por algunos como un género musical independiente. Estas características son, en primer lugar, la utilización de cánticos tribales africanos y, en segundo lugar, la utilización del idioma Kobaiano.
La lengua Kobaiana es para los fánaticos del Zeuhl lo que es el klingon para los fanáticos de Star Trek, es una lengua artificial creada por Christian Vander, baterista del grupo Magma, banda creadora del Zeuhl. Tras la muerte de John Coltrane en 1967, Vander consideró que era inadmisible tocar jazz trás tremenda pérdida, por ello decide crear su propio estilo juntando el jazz de John Coltrane, el neoclasisismo de Igor Stravinsky y el rock de Frank Zappa, basándose así, según Vander, en tratar de alcanzar la perfección musical buscando el 'Zeuhl'. Traducción de Kobaien-Español, Zeuhl = Celestial
Magma es la banda más reconocida del Zeuhl, y tendría que serlo ya que fue la que lo creó hace ya 40 años en Francia, tierra del amor, del baguette, del queso y desde 1969, del Zeuhl. Sin embargo después de una enorme cantidad de discos producidos, podemos ver que el estilo de esta banda es muy cambiante, pero de ello también se trata el concepto de esta: la eclecticidad. Vander puede tener una gran similitud con Robert Fripp (líder de King Crimson) por ir cambiando de tiempo en tiempo los integrantes de la banda para que estos le den un aire más fresco y renovador, por ello podemos ver la gran variedad de músicos, no solo franceses sino de Europa en general, tales como: Yannick Top, Didier Lockwood, los hermanos Paganotti, etc.
Pero es necesario afirmar que el Zeuhl no vive solamente gracias a Magma, en los años 70's y 80's se han creado bandas que le pagan un tributo a Vander y compañía como creadora de este estilo tales como la genial Dün, que crea un Zeuhl un poco más apasible a los oídos o también Koenjihyakkei, banda japonesa creada en los 90's y que hasta ahora sigue tocando su extraña pero interesante música. Es justamente en estos dos países, Francia y Japón donde se pueden encontrar bandas Zeuhl, otras que puedo mencionar son: Art Zoyd, Eskaton y Ruins.
Quiero afirmar que el Zeuhl es un subgénero no apto para personas que recién empiezan a escuchar progresivo y mucho menos a personas que escuchan música pop, el Zeuhl es muy experimental, más allá de los límites de Zappa, y muy selecto, tanto así de ser clasificado como música de culto. Sin embargo, si te animas a escuchar, acá dejo tres discos imprescindibles del Zeuhl:

Magma - Mekanik Destruktiw Kommandoh (o "M.D.K.")


1. Hortz Fur Dëhn Stekëhn West (9:34)
2. Ïma Sürï Dondaï (4:28)
3. Kobaïa Is De Hündïn (3:35)
4. Da Zeuhl Wortz Mekanïk (7:48)
5. Nebëhr Gudahtt (6:00)
6. Mekanïk Kommandöh (4:08)
7. Kreühn Köhrmahn Iss De Hündïn (3:14)
Bonus Track:
8. M.D.K. - Alt. Version (*) C. Vander (34:35)




Dün - Eros


1. L'Epice (9:25)
2. Arrakis (9:36)
3. Bitonio (7:09)
4. Eros (10:17)
5. Bitonio (alternate) (10:20)
6. Arrakis (alternate) (5:07)
7. Eros (alternate) (7:11)
8. Acoustic Fremen (unreleased) (6:17)





Descargar Rapidshare

Koenjihyakkei - Angherr Shisspa


1. Tziidall Raszhisst (7:16)
2. Rattims Friezz (7:04)
3. Grahbem Jorgazz (4:08)
4. Fettim Paillu (4:24)
5. Quivem Vrastorr (4:24)
6. Mibingvahre (4:10)
7. Angherr Shisspa (6:37)
8. Wammilica Iffirom (8:39)







... y eso que no pongo la trilogía de "obras maestras" de Magma, pero con M.D.K. es suficiente por ahora, aunque prometo que en el futuro hablaré más a fondo de esta banda.

miércoles, 28 de octubre de 2009

Mujeres Rockeras (solo vocalistas)

Le he dedicado un buen tiempo a este post, pensé haberlo terminado hace algunos meses pero volviéndolo a ver tuve que hacer unos pequeños arreglos y quien sabe, tal vez de acá a unos tres meses mi opinión cambie, pero creo que por ahora la siguiente lista es sólida. Atención que solo son mujeres rockeras, así que no digan después porqué no incluí a Joan Baez o a Aretha Franklin (las dos son increíbles cantantes pero... no son rockeras). Bueno después de esa aclaración he aquí, en mi humilde opinión, el top 10 de las mejores vocalistas del genero rock de la historia:

10. PJ Harvey: Británica de nacimiento, una de las mejores representantes del rock alternativo de los años 90, su álbum "Dry" es considerado hoy como uno de los mejores discos de aquella década. Influenciada por bandas como Television o Sonic Youth, y teniendo como gran maestra a Patti Smith, PJ Harvey se convirtió en una rockera de culto en la era dorada del rock alternativo. Este año lanzó su última producción discográfica titulada "A Woman a Man Walk By" donde hay un notable cambio en su música: mucho más experimental y mucho más folkie. Ademas de escribir sus propias canciones, PJ toca la guitarra, el piano, el arpa, el violín y hasta la hamónica. He aquí su ultimo single, titulado "Black Hearted Love" con John Parish.


9. Beth Gibbons: Con su voz hipnótica y calmada, la lideresa de Portishead hizo que sus miles de fanáticos reafirmen la grandeza de esta banda cuando el año pasado lanzaron después de 11 largos años su tercera producción discográfica y el que es para mí el mejor disco del 2008: “Third”. Su apasible voz cae como anillo al dedo para el género musical del que Portishead es parte, el trip-hop. Aunque sus éxitos sean más reconocidos en la década anterior, Gibbons sigue con una voz intacta hasta ahora y no se le puede peir nada más. En el 2002 lanzó su álbum solista titulado "Out of Season", que contó con la colaboración de Runstin Man, ex Talk Talk. Aquí el tema "Mysteries" del nombrado disco.


8. Patti Smith: la maestra de PJ Harvey tenía que estar en una mejor posición que ella. Patti Smith inicio su carrera en 1975 lanzando su disco “Horses”, disco que junto a otros más supusieron el levantamiento de un género bautizado como punk rock. La actitud y rebeldía de Patti junto con su música y letras tal vez hayan sido uno de los factores que más han influenciado a las rockeras femeninas de las décadas siguientes, ella y su banda marcaron una gran huella en la historia del rock que será imposible borrar. Un punto aparte es que además de ser una reconocidísima cantante, ha publicado varios libros de poesía, su otra pasión artística. En el siguiente video veremos a Patti Smith tocando "Horses" y "Hey Joe" en un concierto de 1976.


7. Christina Scabbia: Una de las mejores voces e esta lista, la vocalista de la banda italiana de goth metal Lacuna Coil, posee un rango de voz de contralto (el rango más grave en voces femeninas), y aunque la posición de vocalista es compartida con Andrea Ferro, Scabbia es la que se lleva los puntos a favor por su potente e inmejorable voz. Ha estado presente en todas las producciones de Lacuna Coil y además ha cantado temas junto a bandas como Megadeth, Apocalyptica y After Bridge. En abril de este año Lacuna lanzó su último disco titulado "Shallow Life", no fue bien recibido por la crítica ya que se nota un cambio muy grande a comparación a sus anteriores producciones, pero en algunos temas se nota su escencia metalera. Aquí el videoclip de "Spellbound".


6. Ann Wilson: Las hermanas Wilson tal vez hayan sido parte de la mejor banda liderada por mujeres de todos los tiempos. Heart es una banda compuesta por Ann WIlson en voces y Flauta, su hermana Nancy en guitarra rítmica, Roger Fisher en guitarra principal, Steve Forsser en bajo y los geniales Michael DeRosier en percusión y Howard Leese en teclados. Aunque Heart sea considerada como un Led Zeppelin femenino debido a la notable influencia, Heart tiene su sello propio: la increible flauta de Ann Wilson (que recuerda muchas veces a la de Ian Anderson), la gran bateria de DeRosier y por supuesto el toque femenino que le dan las hermanas Wilson a esta gran banda de hard rock. Por momentos pensé en poner un video de sus mejores temas como "Barracuda" o "Crazy on You", pero opté por poner una presentación donde los músicos explotan al máximo sus habilidades instrumentales (¡¡es un videazo, lo recomiendo mucho!!).


5. Nico: Su verdadero nombre fue Christa Päffgen y digo 'fue' porque Nico es una de las dos rockeras de esta lista que ya no están entre nosotros. Cantauntora, actriz, modelo y musa de Andy Warhol, fue el mismo artista el que la introdujo a la banda vanguardista The Velvet Underground para que cantara en el álbum debut, y aunque Lou Reed nunca estuvo de acuerdo, fue Nico la que dio cierto equilibrio con su hermosa y grave voz en varios de los temas de uno de los discos más importantes en la historia de la música. Al poco tiempo de lanzado el disco, Nico e alejó de la Velvet y comenzó su carrera solista con moderado éxito. Su trágica muerte en un accidente donde ella paseaba en bicicleta poco antes de cumplir 50 años fue un duro golpe al mundo de la música. Aquí Nico cantando con la Velvet "Femme Fatale", en un concierto de 1968.



4. Annie Haslam: Su expectacular voz que llega hasta las 5 octavas (para una persona común y silvestre es ya difícil llegar a 4) fue admirada en la decada de los 70's, en especial en la corriente del rock progresivo que hasta ese momento era un subgénero del rock donde las mujeres no habían tenido mucha relevencia. Annie Haslam abrió las puertas a cantantes contemporáneas de goth metal o metal sinfónico (como por ejemplo a la ya nombrada Christina Scabbia). Annie Haslam se unió a la banda Renaissance en 1971 y convirtió a una banda en declive a una de las mejores representantes del folk-rock progresivo y a ella misma en una de las mejores voces que este género haya visto nacer. Aquí en un concierto de 1983 tocando una mezcla de "Song of Scheherazade" y "Ocean Gypsy" del álbum de 1975.

3. Björk: La cantautora islandesa tal vez sea una de las más reconocidas en esta lista, desde sus inicios con numerosas bandas demostró su potente voz y no fue hasta llegar a su carrera solista donde pudo llegar casi instantáneamente a la fama, de Islandia para todo el mundo. Aunque en sus primeros discos creo música más tranquila y amigable a los oídos donde fusiona electrónica y rock contrastando con baladas y temas pop, poco a poco Björk fue tomando forma a lo que llegaría a convertirse a lo que es hoy, el trip-hop, el rock industrial y la música experimental son los nuevos aliados de esta artista, una de las más eclécticas de nuestro tiempo y una de las mentes más brillantes, musicalmente hablando. Aquí uno de sus videoclips más aclamados, tan extraños como su música, "Bachelorette" del disco Homogenic.



2. Grace Slick: Hermosa mujer y hermosa voz, el verano del amor no hubiese existido sin su flor más hermosa. Grace Slick, vocalista de Jefferson Airplane con su potente voz de contralto, nos hizo llegar con su canto, su música y sus letras a un mundo totalmente psicodélico. En 1967, Jefferson Airplane lanza "Surrealistic Pillow" y supone junto a otras obras maestras musicales, el estallido del rock psicodélico. Jefferson Airplane y su hermosa cantante fueron los responsables por darle al mundo de la música un rol privilegiado a la mujer en un mundo donde los hombres eran los únicos que podían desenvolverse (recordemos que eran los 60's pero con la psicodelia todo cambió). J.A. es una banda que debería ser tomada en cuenta por todo ser humano que le interese el rock en su totalidad, un imperdible de todo amante de la música. Aquí la banda toca dos de sus temas más famosos "White Rabbit" y "Somebody to Love" en un programa de TV.



1. Janis Joplin: Y nos quedamos en los 60's, la que no podía faltar en ninguna lista semejante, si no fuese por ella ninguna mujer hubiese aprendido cómo rockear. Comenzó su carrera con Big Brother & the Holding Company y después del inmenso éxito que tuvo la banda junto a Jimi Hendrix en el festival de Monterrey, Janis comenzó su carrera solista. Su voz, claramente basada en el blues, ha inspirado a cientos de cantantes tanto femeninos como masculinos. Su música, un blues-rock que enamora a cualquiera, también sirvió como claro ejemplo a seguir para muchos músicos. A pesar de tener pocos álbumes de solista es reconocida en el mundo entero como una de las mayores artistas musicales femeninas y sin duda encabeza la lista de mujeres rockeras. Aquí Janis cantando "Summertime" en un concierto en Suecia en 1968, lo raro en ello; instrumentos de viento. Disfrútenlo.



Otras féminas en el mundo del rock que no quedaron dentro de la lista:
- "Mama" Cass Elliot (The Mamas & The Papas)
- Siouxsie Sioux (Siouxsie and The Banshees)
- Kim Gordon (Sonic Youth)
- Shirley Manson (Garbage)
- Kim Deal (The Pixies)

* Si me olvido de una no duden en dejar un comentario.

domingo, 25 de octubre de 2009

"Through My Dog's Eyes" de Ephel Duath

Ephel Duath es una banda italiana de metal progresivo, provienen de Padua, Italia; se formaron en 1998, su debut fue dos años después con su primer trabajo en estudio, “Phormula” , este año el grupo sacó un álbum con el nombre de Through My Dog's Eyes (en enero para ser precisos), la idea de este álbum es que todas las letras están escritas desde la perspectiva de un perro y además de ello, musicalmente, el disco es muy bueno. El fundador Davide Tiso reunió a varios músicos de rock progresivo, punk y jazz de la escena underground en Italia.
Tan solo al ver los nombres de los temas te puedes dar cuenta de lo fuertemente que están relacionadas esas palabras a lo que es ‘ser un perro’. El primer tema, “Gift”, comienza diciendo que el can tiene un presente para tí, es un gato (sí, te trajo un animal muerto), otro tema muy bueno es “Silent Door”, que habla de la desesperación que le produce al perro el estar encerrado en casa sin su amo (y todas las estupideces que eso lo puede llevar a hacer), el tema “Guardian” que muestra el aspecto territorial del perro, finalmente el álbum cierra con el tema instrumental “Bark Loud” (muy bueno), que tengo entendido que es como ladrar fuerte.
Quisiera agregar que como aficionado a la música y los perros (considerando que le debo la vida a uno), con toda la envidia que mi persona es capaz de producir… este es un disco que me hubiera encantado haber hecho; la música, el concepto, y todo en si es de un nivel excelso.
También quisiera agregar que el nombre del foro Pícnic en el 4to Arte es ridículo, el foro debería llamarse Through My Dog's Eyes.

Lista de Temas:
1. Gift - 2:27
2. Promenade - 3:33
3. Breed - 3:28
4. Silent Door - 2:48
5. Bella Morte - 2:24
6. Nina - 4:27
7. Guardian - 3:20
8. Spider Shaped Leaves - 4:56
9. Bark Loud - 4:55

Aquí los temas "Guardian" y "Bark Loud", de los mejores del disco.


lunes, 19 de octubre de 2009

40 Años en la Corte del Rey Carmesí


El 10 de octubre del año 1969 salió al mercado el disco que se convertiría en la primera obra maestra de King Crimson, este disco marcó una época y dio nacimiento a uno de los movimientos más grandes y sublimes de la música rock. Esta banda inglesa optó por una marcada influencia de blues, jazz y música clásica combinada con el rock de la época. Temas de larga duración, perfeccionismo en la instrumentación y gran variedad de instrumentos, sobre todo sinfónicos, caracterizaban a este disco que, en su tiempo, era una total extrañeza musical.
Considerado en sus inicios como un movimiento post-psicodélico, el estilo musical apuntaba a mucho más... por momentos era oscuro, por otros opuntaba a los silencios, luego a los estallidos de intrumentación y finalmente a sonidos armónicos. Discho estilo musical se bautizo al poco tiempo como rock progresivo, y si bien ya existían discos de rock progresivo antes de 1969, no se les conocia como tales hasta la creación de este disco, el precursor que abrió cientos de puertas y los introdujo al mainstream.
La genialidad del líder de la banda, Robert Fripp, que ya tenía una mediana carrera musical en donde experimentó combinando estilos de muchas maneras, finalmente salió con la propuesta de un rock semi-sinfónico. Junto a Greg Lake (futuro integrante de la súper banda "Emerson, Lake & Palmer"), el baterista Michael Giles (que junto a Fripp había iniciado su carrera musical en la banda "Giles, Giles & Fripp"), el vocalista Ian McDonald quien también tocaba los instrumentos de viento y, finalmente pero no menos inportante, Peter Sinfield, el genial compositor de la letra de las canciones.
La primera canción del disco "21st Century Schizoid Man", tiene un estilo hard rock más que cualquier otra cosa, fuertes y estridentes guitarras con una genial performance en la batería, pero sin embargo podemos escuchar trompetas, la voz sintetizada de Lake y un final sumamente bullicioso como pequeños razgos de lo que vendría en la segunda parte del disco.
"I Talk To The Wind" es una hermosa balada con influencias folk-rock donde predominan los intrumentos de viento muy bien tocados por McDonald, a pesar de lo bello del tema, este sigue sin demostrar el verdadero concepto del disco, el cual recién luciría sus dientes en la siguiente canción.
"Epitaph" es la clara referencia al nuevo estilo, los instrumentos sinfónicos acompañados con mellotron, un crescendo excelente, base de música jazz, y al igual que "Moonchild" se crean marcados silencios que luego son interrumpidos con explosiones de instrumentación.
Ahora 'el tema' es sin lugar a dudas la homónima "In The Court Of The Crimson King", su genial intro acompañados por la inspirada batería de Giles, los cambios de este tema son geniales, los solos instrumentales son perfectos, su falso final, y el mellotron tocado por Fripp hace de excelente acompañamiento con los instrumentos sinfónicos, la genial letra escrita por Sinfield es precisa para la música, oscura y épica que evoca lugares que solo pueden ser visitados por la imaginación: The purple piper plays his tune / The choir softly sing / Three lullabies in an ancient tongue /For the court of the crimson king.
Este es un disco que sin dudas me marcó, a pesar de ser uno de los primeros discos del progresivo, goza de una estupenda intrumentación envidiable para cualquier banda. Aunque el apetito experimental de Fripp hiciera que los demás integrantes de la banda se vayan y nuevos músicos vengan haciendo de King Crimson una de las bandas más eclecticas de todos los tiempos nunca se olvidará lo que este representa en el mundo de la música popular. A muchos les puede resultar fuerte, a otros aburrido, pero lo que se está escuchando es historia, una verdadera obra maestra.

Lista de canciones:
1. 21st Century Schizoid Man - 7:21
2. I Talk to the Wind - 6:06
3. Epitaph - 8:47
4. Moonchild - 12:11
5. The Court of the Crimson King - 9:25

* Este més se relanzó la remasterización del disco en tres diferentes formatos:
- 2 Cd's
- 1 Cd y 1 DVD
- 5 Cd's y 1 DVD (este formato hasta ahora no lo puedo creer)

Aquí un cover del tema "In the Court Of The Crimson King" tocado por John Wetton (ex bajista de Roxy Music), Steve Hackett (ex guitarrista de Genesis), Ian Macdonald y Chester Thompsons (ex baterista de la banda de Frank Zappa), mucha atención a la batería y el solo de flauta....